戏剧和电影是载体完不同的两种综合艺术形式
戏剧和中国传统的戏曲一样
是属于现场的艺术
现场的魅力在于它的每一次都应该是完整的和全新的
因此戏剧表演必需每一次都保证是完整、全新和创作过程

作为现场艺术
戏剧表演必需考虑到演出场地的要求
从而在技术上形成特别的要求

这也就是与电影表演要求的不同：
首先你的声音必需足够洪亮——因为戏剧最初是没有扩音设备的，它和歌剧一样，需要用肉嗓子灌场，即使后来有了天麦地麦，对于戏剧演员最基本的技术要求依然是声音。这也是为啥同样演影视剧，焦晃的声音为什么就是比唐国强有表现力的原因所在。焦晃是戏剧演员，几十年的舞台演出打磨出来的声音就是比唐国强立体，有穿透力。

日本舞台剧界为何把在影视作品中表演稍嫌夸张的藤原龙也称之为舞台天才，除了他的舞台感觉外，很大程度就是他的声音。他一冒出来，还没有训练过，就已经具备了很有戏剧张力的声音表现。当下科技越来越发达，舞台剧表演也越来越开放和多元化，很多非戏剧培训出身的人士也敢于上台演话剧，当然这得益于小蜜蜂的普及，但是我们依然可以听到，没有正规戏剧表演训练的演员，再怎么弩着，声音的质量和台词的清晰度也是无法和真正的戏剧演员相比。  

即使同样出身科班，不同的戏剧演员在声音上也有高有低。秦海璐的大赤包在四世同堂里抢足风头，除了角色的色彩实在出跳外，她刻意扩大声音管道，造成粗门大嗓的音色，同时以流畅利索的台词，足够撑起这份色彩。当然，中戏的演员现在台词也越来越不咋地。 

仅此一项，费雯丽在舞台上的光彩令劳奥嫉妒一说就可以休矣。费雯丽或许在舞台上很漂亮，我见犹怜，但现场艺术不是看花瓶，你声音才是最有力的武器。费雯丽的声音不够宏亮是当时剧评公认的技术短板，甚至她自己也毫不讳言声音不能打远的弊病。没有声音，仅靠形体、走位和漂亮就想在几十上百场的舞台演出中抢戏，那是作梦。台词是戏剧的灵魂，你的声音压不住剧场，在客观上就已经失去了成为舞台绝对中心的可能。
但在电影表演中，这不成为问题。电影表演不需要你洪钟大吕的声音。相反，电影表演可以后期配音。即使是同期录音，只要你的声音能够保证话筒收音清楚，并传情达意，就可以胜任愉快，当然台词的读法、口音纯正或者变化则变成电影表演的另一种特殊要求。这里暂时不作阐发。费雯丽的条件显然更为满足电影表演的需要。

其次你的肢体必需足够满足表现需要——舞台上，声音之外，形体是演员的第二大武器。舞台是开放的，无遮挡的，舞台就是观众视野的极限。舞台有多大，观众能看到多大。所以当演员站在台口上那一刻起，他的一举一动就完全进入观众的视野，开始了与观众的交流。那一刻，演员的身体发肤应该都进入或变成角色。因此戏剧演员的肢体训练与控制是相当严格并且要到位的。还举秦海璐为例，她和大赤包其实在外形与年龄上都有相当的距离，但是她除了适当增肥、在戏装里加衬里外，以完整但略为夸张的表情和形体设计，展现了大赤包的五大三粗和无耻伧俗，为她塑造好这个角色提供了坚实的基础。在戏剧表演中，秦海璐的这个形体不能是局部的，必需是整体的丰富的连续的，从头到脚，一举一动都应该有布局有设计。这是戏剧表演严格的地方，也是见演员功力和思维素质的地方。

但在电影表演中，你的形体虽然很重要，但是被严格限制了。因为电影有镜头，镜头有焦点，有焦距，它需要有远近处理，重点层次，镜头拍不到的，观众也看不到。演员的一举一动虽然重要，但不像舞台上一览无余，尽收眼底。所以会有一些舞台演员第一次拍电影特写时，手脚乱动的笑话。因为她觉得自己在表演，可她不知道她的那些零碎镜头拍不到，观众也看不到，你演了也白演。电影表演中的形体控制除了要贴近生活外，火候尺度比戏剧要小，因为剧场有距离，演员的幅度必需要比较大，观众才有可能注意并接受到你传递的信息。而电影是放大的艺术，你的一举一动是放大几十甚至几百倍到大银幕上观看的，你必需控制着你的表情、形体，哪怕你最需要爆发力的时候，也不能变成撒狗血。电影表演更讲究演员与角色从外到内的贴近，如果拍电影，秦海璐肯定演不了大赤包，因为外形上距离实在太远，光靠人物造型无法弥补。而当年的李婉芬则正合适，她需要的是调整好常年戏剧表演的留下的所谓舞台痕迹，其实就是表演的尺寸要调小——这对于一个表演经验丰富，艺术成就高的戏剧演员来说，并不难。不过电视表演和电影表演相比又不同，毕竟屏幕小，台词量也大一些，要求又不一样。

第三表演的连贯性。当剧场的幕布一拉开，戏就开始，除非太大的意外，不能中止。当然，过长的戏，可能会有一个中场间歇。这就要求演员在戏剧表演中保持高度的连贯性，而且必需一次到位，无法修补。因此戏剧表演对于一个演员的挑战往往是多层次全方位的。专业的演员往往认为戏剧表演更过瘾，因为你的情绪不会被打断，相反，还能直接接受到观众的反应刺激。 

在电影表演中，除了极其个别的导演，会完全按剧作的时间关系来拍摄外，其它的大多数拍摄是没有时间概念的。加上电影的镜头语言述事需求，更加决定了演员的表演是零碎的，片段式的，完全不连贯的。哪怕是一个情绪反应，根据导演叙事的不同需求，也有可能被切成不同机位、不同角度的多个片断来呈现。演员在电影表演中需要更准确的情绪控制和记忆。当然，很多时候，导演也会采取多种手段进行弥补。

第四个，是表演的独立性。戏剧表演中，演员的自我管理与意识更为重要，导演的作用更多是在筹备分析对词排练彩排时给演员提供要求和帮助，上了台之后，演员自己成为自己的主导，去完成在过去排练中达到的感觉与效果。在整个戏剧表演的现场，除了对手演员的刺激配合外，提词员可能是最直接的外部支持。但对于一个成熟和专业的演员而言，这一外力能够用上的时候还是有限的。而灯光、音响、布景甚至包括声光特效，虽然也可能为戏剧表演带来帮助，但在更多的时候，戏剧表演是依靠演员自身来完成。 

电影表演则不同，外部的技术支持会非常明显。因为有镜头的要求，电影的现场照明技术要求更高更细，在很多时候，打光往往能够为演员表演加分。比如一张无表情的脸如果加上适当的阴影，镜头再找对角度，会呈现出强大的表现力。这种表现力与演员的表演无光，更多是拍摄技术和后制技术的支撑。除了镜头会不断推进切换角度，还有后期剪辑来处理你的表演，甚至还有话外音、还有空镜、反应镜头等手段来烘托、承接、解释、定义你的表演，甚至包括灯光照明，。电影表演受到外力的干扰和影响更大，从这个层面上讲，电影表演并不如戏剧表演完整和纯粹。